Fundamentos de la Pintura al Óleo

Saludos: Ya casi llegamos a los 100,000 miembros en nuestro grupo de Facebook. Muchas gracias por su apoyo. Veo que los videos sobre pintar retratos al óleo son los más populares. Por esta razón incluyo abajo 3 pedazos más de video de la 5ta parte de mi curso sobre este tema completamente GRATIS. A pesar de que los fundamentos del dibujo y la pintura son los mismos para realizar cualquier obra, muchos estudiantes se sienten temerosos de pintar retratos. Me imagino que su temor nace primordialmente porque quieren lograr cierto parecido. Esto los pone bajo una presión mayor que si tuviesen que pintar un bodegón o un paisaje donde aparentemente se pueden tomar más libertades. No quiero decir con esto que se pueda carecer de la destreza del dibujo y la pintura para pintar estas cosas. Sin embargo no hay duda que pintar un retrato pone de manifiesto el nivel de habilidad para captar las sutilezas de los rostros.

En muchos de mis ensayos he recomendado al estudiante el realizar autorretratos monocromáticos mirándose al espejo para que suba de nivel en la calidad de sus obras. Al seguir resolviendo los problemas correspondientes, el estudiante efectúa un gran salto del dibujo a la pintura. Se hace necesario pensar en la plástica y subordinar las líneas del dibujo a las manchas de la pintura. Esto requiere un cambio en la manera de ver las cosas. Todos sabemos que no existen líneas en la naturaleza pero los hábitos del dibujo lineal persisten. Es muy bueno conocer y estudiar los fundamentos pero ellos no nos ayudan a progresar si no los practicamos, tomando riesgos y resolviendo los problemas que surgen cuando queremos que algo se vea de determinada manera pero no lo podemos lograr.

Acuérdate que cualquier rostro tendrá una parte en la luz y otra parte en la sombra porque la luz no puede voltear. Las personas tienen rostros de diferentes colores y diferentes tonos (valores). Y aun una misma persona puede tener la frente de un color y tono diferente a los pómulos, la nariz, etc. Debes observar con mucho detenimiento pero si quieres algo "rápido, inexacto y generalizado" para una piel clara, te recomiendo una mezcla con bastante blanco y amarillo ocre con un poquito de rojo cadmio y casi nada de azul ultramarino para el rostro en el lado donde incide la luz. Usa sombra de tierra quemada y rojo cadmio en la sombra propia. Para la gente de piel oscura usa menos blanco y un poquito más de azul o violeta. Aunque debes seguir observando los colores en la topografía de la piel con detenimiento, estas mezclas te servirán de punto de partida.

Me han escrito algunos miembros de nuestro grupo de Facebook sobre el problema que tienen para distinguir los tonos (valores) cuando están observando algún modelo, paisaje o bodegón. Por lo general esto se relaciona a una dificultad clasificando los tonos de los colores. Cada color tiene un tono dentro de una escala desde el más claro hasta el más oscuro. Recomiendo que se comience intentando clasificar los colores que vea en cinco tonos. Para hacer esto, casi todos los artistas entornan sus ojos de vez en cuando. Al hacer esto los colores se agrisan y se hace más fácil comparar los tonos. Por ejemplo, observe la clasificación de colores, desde los más claros hasta los más oscuros en este retrato que hice hace algunos años.

Esto nos brinda cierta seguridad porque sabemos que en una pintura lo más importante es la composición de tonos. Entornar los ojos significa cerrar bastante los ojos poniendo las pestañas en frente de ellos para ver todo de manera borrosa. Se requiere un poquito de práctica para simplificar lo que vemos y reducir todo a manchas grises. Esto se hace de vez en cuando para evaluar el arreglo de los tonos que estamos viendo. Si ustedes han estado leyendo mis escritos anteriores, recordarán que esto se relaciona precisamente con lo que he dicho sobre el hábito de ver en términos de manchas o pedazos de un rompecabezas.

SOBRE EL COLOR VERDE Y LA SOMBRA

Mi paleta básica cosiste de amarillo cadmio, amarillo ocre, rojo cadmio, alizarin crimson, azul ultramarino, azul thalo, sombra de tierra quemada, (negro marfil, algunas veces) y blanco Permalba. Te darás cuenta que casi siempre los colores de la piel son de baja intensidad. Por esta razón algunas veces el uso del azul, verde o violeta es muy útil para bajarle la intensidad a los matices naranjas que uses para la piel. Si usas el azul ultramarino para mezclar un verde, este tendrá un matiz más cálido que si usas el azul thalo. Esto es así porque el ultramarino es cálido, mientras que el thalo es un azul frío. Por el contrario si quieres un verde frío puedes comenzar con un poquito de thalo. Si usas amarillo cadmio para hacer el verde en vez del amarillo ocre, estarás calentando el matiz, pues el amarillo cadmio no solamente es más intenso que el ocre sino que también es más cálido. Debes de experimentar con las cantidades de los azules y los amarillos hasta que obtengas el matiz verde y el tono que desees. Debes aprender cuando detenerte al usar el blanco para aclarar el verde antes de bajar demasiado la intensidad del matiz verde.

Si te excedes oscureciendo el matiz verde con sombra de tierra quemada no le añadas blanco pues estarías "matando" la intensidad (agrisando) del verde. Puedes devolverle la intensidad con más azul y amarillo, pero a veces es mejor comenzar la mezcla en la paleta otra vez. Si prefieres un verde azulado ya preparado puedes comprar el verde viridian, pero aprendes mucho más mezclando tus propios verdes. Para que tu pintura suba de nivel debes aprender a mezclar colores de temperaturas opuestas. Así lograrás más armonía en tus pinturas. Es decir, debes usar el potencial de los colores complementarios. La clave aquí es saber cuíndo detenerte haciendo que uno de los dos colores prevalezca antes de llegar a un gris sin vida. Observando con detenimiento, toma algún tiempo darse cuenta que los colores de las sombras, al mismo tiempo que son más oscuros que los colores en la luz, siempre se ven con temperaturas opuestas a la luz.

Por esto la sombra no se debe pintar simplemente con una versión mís oscura del color propio. Sino que debes estar consciente de la temperatura de la luz para introducir el color de su complementario en la mezcla de la sombra. Demuestro este proceso en el 4to y 5to video de mi curso Fundamentos de la Pintura al Óleo. Cuando logres comprender y aplicar esto a tu pintura, tu pintura mejorará muchísimo. El problema siempre es que, en la mezcla, debes aprender a controlar la presión del pincel para no ensuciar los colores. Pues como sabemos cuando mezclamos colores complementarios, estos tienden a cancelarse uno al otro. Por esta dificultad, muchos estudiantes y también pintores con muchos años de práctica optan por tomar el camino más fácil de la ilustración donde los colores mezclados para los objetos no se alejan mucho de su color propio, perdiendo naturalidad en el proceso. Espero que esto te ayude

SOBRE LO QUE ES "PAINTERLY"

Me acuerdo haber escrito anteriormente sobre el tema de "painterly". Una manera rápida y visual que se me ocurre definir esto es que su obra no se vea como una foto o una ilustración sino que se vea que es pintura plástica, con todo lo que esto implica. "Painterly" es una pintura o su estilo, caracterizada por cualidades de color, trazo y textura en lugar de líneas y suavizados con los trazos del pincel. Cuando suavizamos las pinceladas demasiado nuestras pinturas podrían carecer de un sabor único o no mostrar ningún interés o energía. Para obtener cualidades estéticas, nuestro arte debe tener cierto nivel de misterio y carácter. Cuando vibramos los colores de manera selectiva y sin mezclarlos completamente podemos añadirle estos rasgos. Esto se debe hacer mientras pintamos el efecto de la luz sobre las superficies. Mi experiencia con estudiantes y el ver mis propias pinturas de hace muchos años me convence que en la mayoría de los casos el artista pasa por etapas de desarrollo donde su mayor preocupación son los fundamentos de proporción, luz y sombra, colores, etc., o sea la reproducción fiel de lo que está en frente de sus ojos. Muchas veces lo que está frente a sus ojos es una fotografía. Todo esto implica un temor a equivocarse donde la solución más simple es suavizar las mezclas de pintura, imitando la fotografía. He visto mucho de este temor aun en estudiantes con muchos años de experiencia.

Como consecuencia el estudiante permanece en una etapa apretada. Para superar esta preocupación, el estudiante debe haber trabajado por algún tiempo (años) de la realidad, hasta convencerse no solamente de que ya domina estos fundamentos sino que su expresión artística requiere grados de experimentación y riesgo con la pintura. Al dar este salto, no con pocos desastres, el estudiante comienza a liberarse de las ataduras. En este sentido confieso haber gastado varias libras de pintura en catástrofes de las cuales no me siento muy orgulloso. Eventualmente logramos ser nosotros mismos al no preocuparnos tanto por la exactitud de nuestras obras y ver el mayor valor que tiene nuestra expresión única. Desde luego debemos también comprender que son precisamente nuestras pequeñas desviaciones de lo exacto las que nos definen de manera única. Por razones obvias, no recomiendo este salto a los estudiantes que no dominan todavía los fundamentos más elementales. Como he dicho en escritos anteriores, para liberarnos del síndrome de lo exacto recomiendo la práctica del dibujo y pintura gestual, especialmente a aquellos estudiantes que son demasiado analíticos y científicos en su pensar. Espero que toda esta explicación ayude a comprender la importancia de lo "painterly" en nuestra expresión personal.